Författare: Lindsay Hallam, University of East London
25-10-18 David Lynchs enastående konst och spiritualitet kom till uttryck i filmerna han vägrade förklara.
Timmarna efter artistens och filmregissören David Lynchs död den 16 januari innehöll ett enormt utflöde av kärlek. Hyllningar har kommit från de som arbetat med honom, inklusive skådespelarna Kyle MacLachlanoch Naomi Watts, och andra regissörer som Steven Spielberg, Ron Howard och Edgar Wright. Men de har också kommit från hans fans, som har tagit till sociala medier för att dela personliga berättelser om hur hans filmer har berört deras liv på djupet.
Från sin debutfilm Eraserhead (1977) betraktades Lynch som en filmskapare med en enastående och unik vision. Lynch beskrev filmen som "en dröm om mörka och oroande saker" med element typiska sin bakgrund inom måleri och experimentell film. Den enkla berättelsen gav en öppning till en främmande ny värld som följde en skruvad drömlogik som ändå verkade bekant.
Lynch var känd för sin envisa vägran att ge svar på vad hans filmer betydde. När Lynch blev tillfrågad i en Bafta-intervju att utveckla sitt påstående att Eraserhead är hans “mest spirituelle film, svarade han plötsligt: ”Nej”.
I sin bok Catching the Big Fish: Meditation, Consciousness, and Creativity (2006) skrev Lynch: "Världen i filmen är skapad, och människor älskar ibland att gå in i den världen. För dem är den världen verklig. Och om folk får reda på vissa saker om hur något gjordes, eller hur detta betyder det eller det betyder att, nästa gång de ser filmen, kommer dessa saker in i upplevelsen.”
Medan Lynch markerade sig själv som en sann auteur (en filmregissör som påverkar deras filmer så mycket att de rankas som deras författare.), vars filmer uttrycker en mycket specifik och personlig världsbild, finns det utrymme för varje publikmedlem att ta med sina egna drömmar och önskningar i tittarupplevelsen. Kanske är det därför som hans verk inspirerar till sådan hängivenhet när hans fans fäster sig vid verket och fyller meningsluckor med delar av dem själva.
Lynchs "konstliv"
Från en ung ålder ville Lynch bli konstnär, leva det han kallade “konstlivet” . Detta innebär fullständigt engagemang för kreativa sysselsättningar, på bekostnad av allt annat.
En del av denna process involverar "dykning inombords", vilket för Lynch var nära kopplat till utövandet av transcendental meditation. I en intervju med Sight and Sound i december 2024 förklarade Lynch att genom att dyka in i detta "medvetandehav" kan människor uppleva "obegränsad kreativitet".
Det är från detta "hav" som Lynch också talade om att "fånga den stora fisken" - det vill säga att fånga en idé, oavsett om det är för en film, en målning eller en berättelse. Till skillnad från filmskapare och manusförfattare i Hollywoods mainstream, följde inte Lynch typiska narrativa strukturer.
Det är därför hans enda försök att göra en storfilm i Hollywood, filmen Dune från 1984, misslyckades. Lynch tvingades kompromissa med sin vision.
Lynch på att fiska efter idéer.
Ändå banade denna besvikelse vägen för hans film från 1986 Blue Velvet som, även om den gjordes i mycket mindre skala, hade en betydande kulturell inverkan. Det gav honom hans andra av tre Oscarsnomineringar för bästa regi. Hans första var för The Elephant Man 1980 och hans sista var för Mulholland Drive, 2001.
Blue Velvet nickade till sina rötter när han växte upp i städer i Montana, Washington, Idaho och Virginia och avslöjade den mörka magen som finns under förortens vita staket. Detta mörker var både skrämmande och lockande för huvudpersonen Jeffrey Beaumont, spelad av Kyle MacLachlan, som härmade Lynchs tal och sätt.
MacLachlan och Lynch slog sig ihop igen för tv-serien Twin Peaks, som sändes på ABC 1990 och blev ett kulturellt fenomen. Liksom Blue Velvet avslöjade den en hemlig värld under quotidian, med hjälp av mordet på hemvändande drottningen Laura Palmer (Sheryl Lee) för att avslöja ett sant mörker som bor i hjärtat av det amerikanska hemmet.
"Ingen dör egentligen"
Samma år som Twin Peaks debuterade, vann Lynch även Guldpalmen i Cannes för sin film Wild at Heart och dök upp på omslaget till Time Magazine. Men bubblan sprack 1992 när hans prequel-film Twin Peaks: Fire Walk with Me fick ett fientligt mottagande både kritiskt och kommersiellt. Fire Walk with Me har sedan dess omvärderats som en film som presenterar de skakande effekterna av övergreppets trauma. Jag skrev en bok om det 2018.
I hans senare filmer Lost Highway (1997), Mulholland Drive (2001) och Inland Empire (2006), splittras identiteten på liknande sätt, vilket uttrycker verklighetens flytande natur. Detta relaterade till Lynchs tro på ett enhetligt medvetande som förbinder alla saker i ett konstant tillstånd av flux.
Hans svanesång Twin Peaks: The Return (den sista säsongen, som sändes 2017) präglas av tidens gång och dödens ständigt närvarande spöke. Många av seriens ursprungliga rollbesättning hade redan dött när serien sändes.
Men för Lynch var döden en del av ett "kontinuum". Detta sade han: "Ingen dör egentligen, de tappar bara sin fysiska kropp ... vi kommer alla att må bra i slutet av historien."
Lindsay Hallam, Senior Lecturer in Film, University of East London
Denna artikel är återpublicerad från The Conversation under en Creative Commons licens. Läs ursprunglig artikel.